Greetings to the scrobble.life community—we’ve reached my favorite month of the year! It’s the Halloween season; many are already celebrating during these early days of the month—and why wouldn't they? It’s the perfect opportunity to get together with friends, throw themed parties, and wear outfits that pay homage to some of the most memorable horror movies. Speaking of horror films, this is the ideal time to enjoy marathons of slashers, suspense thrillers, folk horror, and even dark fantasy. In fact, I wrapped up September with a review of the film The Love Witch, and with the arrival of October, I wanted to do something different: seek out films that are unique and highly original—movies that steer clear of classic horror conventions. With that in mind, this month I’ll be sharing reviews of indie and auteur horror films, as these are the movies that—in a sense—have breathed new life into cinematic horror over the last two decades. The first film we’ll review is the opening entry in a duology; while the plots don't seem to form a direct saga, the films appear to share the same universe. That first film is Beyond the Black Rainbow. Let’s get started!

With a runtime of one hour and fifty minutes, Beyond the Black Rainbow is the debut film from director Panos Cosmatos. Released in 2010, produced in Canada on a modest budget, this was an auteur horror film that made little noise at international film festivals; however, over the years—and fueled by the growing trend for retro-futurism—it gradually gained a following, eventually becoming a cult horror classic thanks to the themes and genres it explores.

For the director, this debut feature clearly served as a testing ground to explore themes previously addressed by films from the 70s and 80s. This comes as no surprise, given that the director has cited three specific films as influences: George Lucas’s THX 1138 and A Clockwork Orange (for their depictions of societies oppressed by regimes obsessed with control), and Scanners (an excellent psychological horror film centered on psychic powers and telekinesis). Panos Cosmatos draws upon elements from these three films to shape his debut, creating a work rooted in psychedelic horror and an obsession with control and power.

Even though it was released in 2010, it is immediately apparent that the film uses retro-futurism for more than just cosmetic set dressing; it truly transports the viewer back over 40 years to 1983, at the height of the techno and post-punk era. The film opens with what appears to be a commercial featuring Dr. Mercurio Arboria; at his Arboria Institute, he seeks to promote well-being and the expansion of consciousness through psychotropic substances. The sequence carries a distinctly ominous tone, immediately preparing the audience for a deeply unsettling cinematic experience.

The film's greatest strength is that, following a brief introduction to the Arboria Institute, it contains almost no dialogue; the story unfolds entirely through imagery—showcasing the facility's spaces—making us feel as though we were just another patient confined within its walls. We are introduced to the Institute’s director, Barry Nyle, as he monitors a patient named Elena; the spatial design, camera framing, and editing all serve a single purpose: to create an atmosphere of dread and suffocation that compels us to witness Barry’s surveillance of Elena.

As an auteur-driven film, it possesses qualities that may not appeal to everyone—for instance, it lacks the rapid pacing typical of mainstream blockbusters—but ultimately, it comes down to personal taste. Personally, I loved the mise-en-scène and the meticulous style used to transport us to a high-tech 1980s research facility; that is a remarkable achievement. If, like me, you enjoy atmospheric horror or suspense films, you will appreciate this one from start to finish.

Another of the film's strong points is its cinematography; in this regard, the movie is divided into two distinct phases. The first occurs when Elena attempts to escape the institute; here, the visual saturation—combined with claustrophobic framing—reinforces the sense of confinement, making it feel as though we are right there with Elena, trying to break free from the walls of what resembles a prison. However, one of my favorite characters in the film soon appears: the Sentionaut! Tasked with preventing Elena’s escape and sedating her if necessary, his figure and bearing represent the most quintessentially cyberpunk element of the entire movie.

Beyond the direction and cinematography, the soundtrack serves as a third key element that rounds out the atmosphere, creating a highly effective immersive experience. Through the music—and accompanying flashbacks to decades past—we witness how Barry Nyle, like Elena, was once a test subject for Dr. Arboria. He underwent an astral journey of consciousness induced by a psychotropic drug, and the score allows us to truly feel the trance-like state he experienced. Ultimately, although he appears to be reborn as a different man, Dr. Arboria deems him a failure; the doctor believes that only a "neonate" like Elena can withstand the journey and successfully transform into a new kind of human being.

The film’s second act is where events rapidly escalate. Dr. Arboria’s death triggers the awakening of Elena’s telepathic abilities; sensing his passing, she decides to flee, confronting and defeating the Sentionaut in the process. Meanwhile, Barry Nyle reveals his true, resentful nature—embittered by the realization that he is a failed experiment unable to transcend—and resolves to destroy Elena.

This is where the second visual phase comes into play: as Elena escapes, the intense color saturation fades, bringing a sense of relief. The shift to softer colors and a less visually dense style signals that we have successfully left the institute-prison behind. The shift lies not only in the cinematography but also in the tone and pacing of the film's final act; having transformed into a villain, Barry unleashes his bloodlust, turning the movie into a classic slasher with Elena as the quintessential "final girl."

In short, the film possesses a visual and musical charm that makes it easy to understand why it became an underground cult classic in horror cinema. The blend of psychedelic suspense and slasher tropes in the finale demonstrates how the director, in this debut feature, was exploring various influences drawn from 1970s and 80s horror movies. All told, I rate it an 80/100; while the ending didn't entirely appeal to me, I believe the choice to conclude the film that way was an intentional homage to the style of those 80s classics.

Well, friends, that concludes my review of Panos Cosmatos's debut feature. It is, without a doubt, an experience that is more sensory than purely cinematic, yet it offers a highly original approach to horror filmmaking. Next week, we’ll round out our look at this director’s filmography with what I consider his magnum opus—Mandy (2018)—as we continue our Halloween-themed marathon of lesser-known horror movies. Regards!

Saludos comunidad de scrobble.life, ya estamos en mi mes favorito del año! El mes de la temporada de Halloween, ya muchos lo están celebrando estos primeros días del mes y como no hacerlo, es la oportunidad perfecta para reunirse con amigos, hacer fiestas temáticas y llevar un outfit homenajeando algunas de las más memorables películas de terror. Y justamente hablando de films de terror, este es un momento ideal para disfrutar de maratones de peliculas slashers, suspenso, folk horror y hasta fantasía oscura. De hecho yo terminé el mes de septiembre con la reseña de la película The Love Witch, y con la llegada de octubre he querido hacer algo diferente, y es buscar esas películas un tanto diferentes, muy originales y que no caen en las convenciones clásicas del cine de terror. En este contexto, este mes les compartiré reseñas de películas de terror indie o de autor, porque han sido estas películas las que en estas últimas 2 décadas le han dado por decirlo de alguna manera un renacer al terror cinematográfico. Y la primera película que reseñaremos es la primera de una duología que aunque argumentalmente no parecen ser parte de una saga, si que parecen compartir un mismo universo, siendo la primera de ellas: Beyond the Black Rainbow. Comencemos!

Con una duración de 1 hora y 50 minitos Beyond the Black Rainbow es la primera película del director Panos Cosmatos. Estrenada en 2010, producida en tierras canadienses y con un presupuesto ajustado esta fue una película de terror de autor que pasó sin hacer mucho ruido en los festivales de cine internacionales, pero con el paso de los años y la creciente tendencia por lo retro futurista, esta película fue ganando adeptos hasta convertirse en una película de terror de culto por los temas y géneros que toca.

Claramente para este director, esta primera película fue un globo de ensayo para explorar temas que otras películas en los 80´s habían explorado y no es de extrañar, en entrevistas el director declaró que sus influencias fueron 3 películas de los 70 y 80´s: THX 1138 de George Lucas & A Clockwork Orange por sus temas sobre una sociedad oprimida por un régimen obsesionado con el control y Scanners una excelente película de terror psicológico sobre el poder de los poderes psíquicos y telekinesis. Panos Cosmatos toma los elementos de estas 3 películas para darle forma a su ópera prima basada en el terror psicodélico y la obsesión por el control y el poder.

Para ser una película del 2010, esta obra se nota desde el principio que usa el retro futurismo no como un elemento cosmético para ambientar una historia, realmente esta película te regresa más de 40 años en el tiempo a 1983 en pleno auge de la moda techno y post punk. La película comienza con un anuncio aparentemente comercial por el dr. Mercurio Arboria que en su Instituto Arboria busca el bienestar y la expansión de la conciencia a través de sustancias psicotrópicas, todo en un aire bastante ominoso lo que ya nos predispone a presenciar una película bastante incómoda.

La mayor virtud que tiene esta película es que después de la breve introducción que nos da del Instituto Arboria, la película prácticamente no tiene casi diálogos, toda la película se narra en base a imágenes, mostrándonos los espacios del instituto, casi como que si nosotros fuéramos un paciente más encerrado en este instituto. Allí aparece el encargado del Instituto, Barry Nyle quien le hace seguimiento a una aparente paciente llamada Elena, todo el espacio, los encuadres de cámara y los cortes tienen la misma intención, generar un ambiente de aprehensión, de asfixia que nos obliga a ser testigos de la observación de Barry sobre Elena.

Ya que la película es una obra de autor tiene elementos que no la hacen para cualquiera, por ejemplo no tiene un ritmo rápido como los clásicos blockbuster, pero al final es cuestión de gustos, en mi caso, a mi me encantó por la puesta en escena y el estilo tan cuidado para transportarnos a un instituto de investigación de alta tecnología en los 80´s y eso tiene un enorme mérito. Si al igual que yo te gustan este tipo de películas de terror/suspenso atmosférico, la vas a disfrutar de principio a fin.

El otro punto fuerte de esta película es la fotografía, la película se divide en 2 momentos con respecto a este apartado, el primero es cuando Elena intenta escapar del instituto donde la saturación de la fotografía, sumado a los encuadres claustrofóbicos refuerzas esa sensación de encierro, al punto que parece que estamos junto a Elena intentando escapar de los muros de lo que parece una prisión. Sin embargo, pronto aparece uno de mis personajes favoritos de esta película: el Sentionauta! Que esta encargado de evitar la fuga de Elena y sedarla si es necesario, su figura y su porte es lo más Cyberpunk que verás en esta película.

Más allá de la dirección y la fotografía, la banda sonora es el tercer elemento que termina de complementar la ambientación y consigue un efecto inmersivo muy bien logrado. A través de la música podemos atestiguar a través de flashbacks décadas atrás, como Barry Nyle fue al igual que Elena, un sujeto de experimentación del Dr. Arboria que a través de una droga psicotrópica hace un viaje astral de la conciencia y gracias a la música, se logra que podamos sentir ese trance que vivió este personaje. Al final aunque parece renacer como un hombre diferente, es considerado un fracaso por el Dr. Arboria quien considera que debe ser un neonato (Elena) la que haga este viaje para poder soportarlo y transformarse en un nuevo ser humano.

La segunda parte de la película es donde las cosas se precipitan, la muerte del Dr. Arboria revela las capacidades telepáticas de Elena que al sentir su muerte decide escapar, enfrentando al Sentionauta y derrotándolo. Al mismo tiempo Barry Nyle muestra su verdadera naturaleza resentida al saberse un experimento fallido y no poder trascender decidiendo acabar con Elena.

Es en este punto donde aparece el segundo elemento de la fotografía, al escapar Elena la saturación de los colores desaparece y se siente un alivio, con colores más suaves y una fotografía menos cargada, señalando que hemos logrado abandonar el instituto/prisión. El cambio no es solo en la fotografía, sino en el tono y el ritmo en este último tramo de la película, pues Barry ya convertido en villano desata su sed de sangre, haciendo que la película se convierta en un slasher clásico y siendo Elena la clásica "final girl".

En resumen, esta película tiene un encanto visual y musical que hace comprensible la razón de porque se volvió una obra de culto underground del cine de terror. La mezcla de suspenso psicodélico y slasher al final de la película, demuestra que el director en esta primera película estaba explorando los diferentes elementos que lo han influenciado del cine de terror de los 70´s y los 80´s. En resumen para mi tiene una calificación de 80/100 ya que el final no fue del todo de mi agrado, aunque considero que intentando emular el estilo de aquellas películas ochenteras decidió cerrar la película a manera de homenaje.

Bien amigos, con esto termino la reseña de la ópera prima de Panos Cosmatos, es en definitiva una experiencia más sensitiva que cinematográfica pero que aporta una forma muy original de crear una película de terror. La semana que viene completaremos la cinematografía de este director con la que es para mi su magna obra: Mandy (2018), continuando con este mes de Halloween y nuestro maratón de películas de terror poco conocidas. Saludos!

The images to create the cover and the content of this review were taken from filmaffinity & IMDB. The translation was done with the Deepl translate.